Pintores de la edad moderna

El beso

El arte moderno incluye la obra artística producida durante el período que se extiende aproximadamente desde la década de 1860 hasta la década de 1970, y denota los estilos y filosofías del arte producido durante esa época[1] El término se asocia generalmente con el arte en el que las tradiciones del pasado se han desechado en un espíritu de experimentación[2] Los artistas modernos experimentaron con nuevas formas de ver y con nuevas ideas sobre la naturaleza de los materiales y las funciones del arte. Una tendencia que se aleja de la narrativa, característica de las artes tradicionales, hacia la abstracción es característica de gran parte del arte moderno. La producción artística más reciente suele denominarse arte contemporáneo o arte posmoderno.

El arte moderno parte de la herencia de pintores como Vincent van Gogh, Paul Cézanne, Paul Gauguin, Georges Seurat y Henri de Toulouse-Lautrec, todos ellos esenciales para el desarrollo del arte moderno. A principios del siglo XX, Henri Matisse y otros jóvenes artistas, como los precubistas Georges Braque, André Derain, Raoul Dufy, Jean Metzinger y Maurice de Vlaminck, revolucionaron el mundo del arte parisino con paisajes y figuras «salvajes», multicolores y expresivos, que los críticos denominaron fauvismo. Las dos versiones de La Danza de Matisse significaron un punto clave en su carrera y en el desarrollo de la pintura moderna[3]. Reflejaban la incipiente fascinación de Matisse por el arte primitivo: el intenso color cálido de las figuras sobre el frío fondo azul verdoso y la rítmica sucesión de los desnudos bailando transmiten los sentimientos de liberación emocional y hedonismo.

Cubismo

Movimientos paralelos en Rusia fueron el suprematismo, en el que Kasimir Malevich también creó obras no representativas, especialmente un lienzo negro. El grupo de la Jota de Diamantes, con Mijail Larionov, era de carácter expresionista.

El dadaísmo precedió al surrealismo, donde las teorías de la psicología freudiana condujeron a la representación del sueño y el inconsciente en el arte en la obra de Salvador Dalí. La introducción de Kandinsky en el arte no representativo precedió a la escuela expresionista abstracta estadounidense de los años 50, que incluía a Jackson Pollock, que goteaba pintura sobre el lienzo, y a Mark Rothko, que creaba grandes áreas de color plano. El distanciamiento del mundo de la imagen se invirtió en la década de 1960 con el movimiento del arte pop, especialmente con Andy Warhol, que convirtió la imagen comercial en un elemento básico de las bellas artes. Warhol también minimizó el papel del artista, empleando a menudo ayudantes para realizar sus obras y utilizando medios de producción mecánicos, como la serigrafía. Esto supuso un cambio del modernismo al posmodernismo. El fotorrealismo evolucionó a partir del arte pop y como contrapartida a los expresionistas abstractos.

Arte moderno frente a arte contemporáneo

El modernismo se refiere a un movimiento global de la sociedad y la cultura que desde las primeras décadas del siglo XX buscó una nueva alineación con la experiencia y los valores de la vida industrial moderna. Partiendo de los precedentes de finales del siglo XIX, artistas de todo el mundo utilizaron nuevas imágenes, materiales y técnicas para crear obras de arte que, en su opinión, reflejaban mejor las realidades y esperanzas de las sociedades modernas.

Los términos modernismo y arte moderno se utilizan generalmente para describir la sucesión de movimientos artísticos que los críticos e historiadores han identificado desde el realismo de Gustav Courbet y que culminan en el arte abstracto y sus desarrollos en la década de 1960. Aunque el término engloba muchos estilos diferentes, hay ciertos principios subyacentes que definen el arte modernista: El rechazo a la historia y a los valores conservadores (como la representación realista de los temas); la innovación y la experimentación con la forma (las formas, los colores y las líneas que componen la obra) con tendencia a la abstracción; y el énfasis en los materiales, las técnicas y los procesos. El modernismo también se ha visto impulsado por diversas agendas sociales y políticas. A menudo eran utópicos, y el modernismo se asociaba en general con visiones ideales de la vida humana y la sociedad y con la creencia en el progreso.

Qué movimiento artístico inició la era del arte moderno

El arte posmoderno es un conjunto de movimientos artísticos que pretendían contradecir algunos aspectos del modernismo o algunos aspectos que surgieron o se desarrollaron tras él. En general, se califican de posmodernos movimientos como el intermedia, el arte de instalación, el arte conceptual y el multimedia, en particular el que incluye el vídeo.

Hay varias características que hacen que el arte sea posmoderno: el bricolaje, el uso del texto como elemento artístico central, el collage, la simplificación, la apropiación, el arte de la performance, el reciclaje de estilos y temas del pasado en un contexto actual, así como la ruptura de la barrera entre las bellas artes y las altas artes y las bajas artes y la cultura popular[1][2].

El término predominante para el arte producido desde la década de 1950 es «arte contemporáneo». No todo el arte etiquetado como arte contemporáneo es posmoderno, y el término más amplio abarca tanto a los artistas que siguen trabajando en las tradiciones modernistas y tardomodernistas, como a los artistas que rechazan el posmodernismo por otras razones. Arthur Danto sostiene que «contemporáneo» es el término más amplio, y que los objetos posmodernos representan un «subsector» del movimiento contemporáneo[3]. Algunos artistas posmodernos han realizado rupturas más distintivas con las ideas del arte moderno y no hay consenso sobre lo que es «tardomoderno» y lo que es «posmoderno». Se han restablecido ideas rechazadas por la estética moderna. En la pintura, el posmodernismo reintrodujo la representación[4]. Algunos críticos sostienen que gran parte del arte «posmoderno» actual, las últimas vanguardias, debería seguir clasificándose como arte moderno[5].