Obras de arte en blanco y negro

Nombre del estilo artístico en blanco y negro

La pintura monocromática ha sido un componente importante del arte visual de vanguardia a lo largo del siglo XX y en el siglo XXI. Los pintores han creado la exploración de un color, examinando los valores que cambian a través de una superficie, la textura y el matiz, expresando una amplia variedad de emociones, intenciones y significados en muchas formas diferentes[1] Desde la precisión geométrica hasta el expresionismo, el monocromo ha demostrado ser un lenguaje duradero en el arte contemporáneo[2].

Los cubistas sólo hemos cumplido con nuestro deber al crear un nuevo ritmo en beneficio de la humanidad. Después de nosotros vendrán otros que harán lo mismo. ¿Qué encontrarán? Ese es el tremendo secreto del futuro. Quién sabe si algún día, un gran pintor, mirando con desprecio el juego, a menudo brutal, de los supuestos coloristas y llevando los siete colores de vuelta a la unidad blanca primordial que los engloba a todos, no expondrá lienzos completamente blancos, sin nada, absolutamente nada en ellos. (Jean Metzinger, 29 de mayo de 1911)[3][4]

La (entonces) audaz predicción de Metzinger de que los artistas llevarían la abstracción a su conclusión lógica abandonando por completo la temática representativa y volviendo a lo que Metzinger llama la «unidad blanca primordial», un «lienzo completamente blanco», se haría realidad dos años después. El autor de un manifiesto satírico titulado Manifeste de l’école amorphiste, publicado en Les Hommes du Jour (3 de mayo de 1913), puede haber tenido en mente la visión de Metzinger cuando el autor justificó los lienzos en blanco del amorfismo afirmando que «la luz nos basta». [4][5][6] Con perspectiva, escribe el historiador del arte Jeffery S. Weiss, «Vers Amorphisme puede ser un galimatías, pero también fue un lenguaje suficientemente fundacional como para anticipar las implicaciones reductivistas extremas de la no objetividad»[7].

Christopher wool

Este otoño, en la National Gallery, viaje por un mundo de sombras y luces. Con más de cincuenta objetos pintados a lo largo de 700 años, Monochrome: Painting in Black and White es una nueva y radical mirada a lo que ocurre cuando los artistas dejan de lado el espectro cromático y se centran en el poder visual del negro, el blanco y todo lo que hay en medio.

«Los pintores reducen su paleta de colores por muchas razones, pero sobre todo como forma de centrar la atención del espectador en un tema, concepto o técnica concretos. Puede ser muy liberador: sin las complejidades de trabajar en color, se puede experimentar con la forma, la textura, la marca y el significado simbólico».

Las primeras obras de arte occidentales que se conservan realizadas en grisalla se crearon en la Edad Media con fines devocionales, para eliminar las distracciones y concentrar la mente. Mientras el color impregna la vida cotidiana, el blanco y negro puede señalar un cambio hacia un contexto espiritual o de otro mundo. Para algunos, el color era la fruta prohibida y prohibida por las órdenes religiosas que practicaban una forma de ascetismo estético. Las vidrieras de grisalla, por ejemplo, fueron creadas por los monjes cistercienses en el siglo XII como alternativa a las vibrantes vidrieras de las iglesias, con sus paneles translúcidos de color grisáceo a veces pintados con imágenes en negro y amarillo. De aspecto ligero y elegante, las vidrieras grisálicas, como esta realizada para la Abadía Real de Saint-Denis, en París (1320-4, Victoria and Albert Museum, Londres), ganaron popularidad fuera de la orden y acabaron siendo de rigor en muchas iglesias francesas.

Jacob lawrence

Los colores tienen su propio simbolismo en las culturas, las religiones y la historia. El blanco y el negro no son, estrictamente hablando, colores. Sin embargo, la luz y la oscuridad desempeñan un papel importante en el arte y el diseño y tienen diversos significados simbólicos. La exposición «Blanco y negro: significado simbólico en el arte y el diseño» presenta obras de la colección del museo que muestran cómo los artistas y diseñadores contemporáneos interpretan el significado simbólico del blanco y el negro. La exposición incluye obras de artistas como Jorge Baldessari, Maria Roosen, Alet Pilon, Jeroen Eisinga, Marinus Boezem, Bart Hess, Célio Braga, Studio Formafantasma y Felieke van der Leest.

Los colores son las longitudes de onda que reflejan los objetos al ojo humano. El blanco es la luz pura y el negro es la ausencia de luz. En muchas culturas, estos dos no colores se asocian a los rituales de la vida y la muerte. Para cuestiones esenciales sobre la identidad, se suelen elegir los opuestos blanco y negro. En la instalación de Marinus Boezem (*1934) «La ausencia del artista» (1970), así como en la obra de la difunta Anna Verwey-Verschuure (1935-1980), el blanco y el negro se utilizan para abordar temas como la identidad, la presencia y la ausencia. El artista conceptual argentino Jorge Baldessari (*1931) hace un uso óptimo del contraste entre el blanco y el negro en su poema bordado «Herramientas» (1994-95), una conversación con el creador divino que expulsó a la humanidad del paraíso. En las obras más abstractas de Lam de Wolf (*1949) y Elke Lutgerink (*1982), el blanco y el negro aparecen como opuestos y continuos.

Artistas que utilizan el blanco

Los investigadores estudiaron las colecciones de 18 grandes museos estadounidenses para cuantificar la composición de género, étnica y racial de los artistas representados en sus colecciones. Sus conclusiones proceden de una rigurosa inmersión en los catálogos públicos en línea de estos museos, desplegando una muestra de 10.000 registros de artistas que comprenden más de 9.000 artistas únicos para el crowdsourcing, y analizando 45.000 respuestas, para inferir géneros, etnias, orígenes geográficos y décadas de nacimiento de los artistas.

Los resultados del estudio -con todas las salvedades estadísticas consideradas- pintan un panorama sombrío de la falta de paridad en las colecciones de los museos. El estudio revela que el 85,4% de las obras de las colecciones de los principales museos estadounidenses pertenecen a artistas blancos, y el 87,4% son de hombres.  Los artistas afroamericanos son los que menos obras tienen, con sólo un 1,2%; los artistas asiáticos suman un 9%; y los hispanos y latinos constituyen sólo un 2,8% de los artistas.

Este examen sigue a los recientes estudios destinados a fomentar la diversidad en el sector cultural, entre los que se encuentra la emblemática Encuesta Demográfica del Personal de los Museos de Arte de Andrew W. Mellon en 2015. Sin embargo, este estudio afirma: «Mientras que los trabajos anteriores han investigado la diversidad demográfica del personal y los visitantes de los museos, la diversidad de los artistas en sus colecciones ha quedado sin reportar.»