Los discipulos de emaus caravaggio

la cena de emmaus rembrandt

El cuadro anterior es casi teatral.    Es como si hubiera un foco de luz sobre Cristo y sobre la mesa.    En el segundo cuadro la luz se ha desvanecido.    De hecho, Andrew Graham Dixon escribió que era como si alguien hubiera apagado las luces.    El Resucitado también es diferente.    Es más viejo, más delgado y, a mi parecer, de estatura ligeramente inferior a la de las otras figuras.     En lugar de salir de la oscuridad, la figura de Cristo parece desaparecer en las sombras.     Su túnica roja brillante y su manto blanco han desaparecido. Toda la paleta es más sobria.    En esta obra posterior, los colores se armonizan.    No hay un contraste tan fuerte como el que existe entre el rojo y el verde en el cuadro de Londres.    La mesa, la alfombra y el paño son similares, pero la comida es mucho más reducida.    Ya no está la cesta de fruta con su sombra en forma de pez.

La vajilla es más escasa y menos abundante.    Hay dos panes y una jarra de vino y algunas verduras.    La mujer que sirve es nueva.    Trae un cordero asado en un plato.    Su expresión triste y su carga apuntan seguramente al sacrificio de Cristo en la cruz; el Cordero de Dios que quita los pecados del mundo. El posadero es similar en ambos, pero a mi parecer tanto él como la mujer parecen más sustanciosos que el Cristo resucitado. Este Cristo parece más pobre. Si se comparan sus manos en los dos cuadros, se verá que las manos en el cuadro de Londres son fuertes y limpias, pero en el cuadro de Brera, las manos son más finas y se puede ver la suciedad en las uñas. En las obras romanas abundan los pies sucios, pero no los de Cristo.    Para mí, este Cristo parece un jardinero.    El otro cuadro de ese verano es «La Magdalena penitente».     Su mano izquierda está colocada de forma que se yuxtapone a la verdura de la mesa.    ¿Hay una alusión a la supuesta necesidad de perdón de María?

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En la colección del marqués Patrizi en 1624 y posiblemente por encargo suyo, las referencias de los primeros biógrafos de Caravaggio, Giulio Mancini y Giovanni Bellori, sugieren que fue pintado en los meses posteriores a mayo de 1606, cuando el artista se encontraba escondido en las propiedades del príncipe Marzio Colonna tras la muerte de Ranuccio Tomassoni (véase el artículo principal, La mujer del posadero parece ser la misma que la modelo de Santa Ana en la Virgen con el Niño de 1605. La mujer del posadero parece ser la misma que la modelo de Santa Ana en la Virgen y el Niño con Santa Ana de 1605, aunque, dado el eco casi total de la pose y la iluminación, es posible que se haya hecho de memoria.

El cuadro invita inevitablemente a la comparación con la versión de la National Gallery del mismo tema: los gestos teatrales expansivos se han vuelto discretos y naturales, las sombras se han oscurecido y los colores se han apagado aunque siguen siendo saturados. El efecto es que se acentúa la presencia más que el dramatismo. Algunos detalles -la oreja del discípulo de la derecha, la mano derecha de la mujer del posadero- siguen estando mal dibujados, pero hay una fluidez en el manejo de la pintura que aumentará en la obra posromana de Caravaggio a medida que su pincelada se vuelva cada vez más caligráfica. Es posible que el artista haya tenido problemas para elaborar su composición: la mujer del posadero parece un añadido de última hora. Ni ella ni el posadero se mencionan en el Evangelio de Lucas 24:28-32, pero fueron introducidos por los pintores renacentistas para que sirvieran de contrapunto al asombro de los dos discípulos al reconocer a Cristo resucitado.

cuadro de la última cena de caravaggio valorado

Un joven afeminado retrocede de dolor al ser mordido por un lagarto, que se aferra tenazmente a su dedo. En el primer plano hay un magnífico bodegón de frutas, con una rosa y un ramito de jazmín en un jarrón de cristal. Si se mira con atención, se puede ver el reflejo de una habitación en la superficie curvada del jarrón…

La historia de la muerte de Juan el Bautista se relata en el Evangelio de Marcos (6: 16-29). Juan había criticado al rey Herodes por casarse con la esposa de su hermano, Herodías, y éste buscó venganza. En la fiesta de cumpleaños de Herodes, Salomé, la hija de Herodías, deleitó tanto al rey con su baile que le prometió…

El tercer día después de la Crucifixión, dos discípulos de Jesús se dirigían a Emaús cuando se encontraron con el Cristo resucitado. No lo reconocieron, pero esa noche, durante la cena, «tomó el pan, lo bendijo, lo partió y se lo dio. Y se les abrieron los ojos, y le conocieron; y…

la virgen con el niño con san antonio…

Su método de posar las figuras en un estudio y luego pintar desde un punto de vista particular se utiliza con gran efecto aquí.    Miramos la mesa como si estuviéramos delante de ella.    No estamos sentados, ¡pero hay espacio en la mesa!    El codo del discípulo de la izquierda casi entra en nuestro espacio.    Como se ha comentado a menudo, dan ganas de estirar la mano y empujar esa cesta de fruta.    Como en otras obras famosas de estos años, que mencionaré más adelante, la luz se utiliza de diversas maneras.    En particular, en esta obra se utiliza para transmitir el momento del reconocimiento.    El posadero, que no entiende lo que significa el cartel, proyecta una sombra sobre la pared.    De esta sombra de desconocimiento, surge el rostro más bien juvenil de Cristo resucitado.    (Por cierto, este rostro juvenil puede ser una cita de un dibujo de la cabeza de Cristo realizado por Leonardo que se encuentra en el Brera de Milán). Esta forma de dibujar figuras que emergen de la oscuridad caracterizará muchas de sus obras posteriores. En este caso, es especialmente impactante.    A esto hay que añadir el detalle de la cola de pez que hace la sombra del cesto de frutas sobre la mesa.     Todos estos elementos se unen para evocar este momento de reconocimiento y el nacimiento de la fe en su presencia, que pronto será invisible.